Pink Floyd - Echoes

"Echoes" é uma canção da banda de rock inglesa Pink Floyd , e a sexta e última faixa de seu álbum de 1971, Meddle . Tem 23 minutos e meio de duração e ocupa todo o segundo lado do LP original. A faixa foi composta combinando uma variedade de diferentes temas musicais e ideias, incluindo passagens instrumentais e efeitos de estúdio, resultando em uma peça lateral longa. A música foi escrita pelo grupo, enquanto as letras de Roger Waters abordavam temas de comunicação humana e empatia, aos quais ele retornou em trabalhos posteriores.

A música foi tocada ao vivo regularmente pelo Pink Floyd de 1971 a 1975, incluindo uma atuação no filme Live at Pompeii (1972). Foi usado para os shows de abertura em 1987 A Momentary Lapse of Reason Tour, mas caiu nas apresentações subsequentes. David Gilmour reviveu "Echoes" para seu On an Island Tour de 2006 , que apresentava Richard Wright , mas retirou a peça após a morte de Wright em 2008. A gravação de estúdio foi usada no filme Crystal Voyager (1973), enquanto uma versão editada está incluída no álbum de maiores sucessos Echoes: The Best of Pink Floyd (2001).

"Echoes" foi considerada pelos críticos como uma canção importante que faz a transição entre o material experimental inicial do Pink Floy d como uma banda cult , e o sucesso posterior do mainstream. Diversas publicações a destacaram como uma das melhores canções do grupo. O grupo tem visões mistas da faixa, mas era uma das favoritas de Wright.

1. Estrutura

"Echoes" começa com um "ping" que foi criado como resultado de um experimento bem no início das sessões Meddle , produzido pela amplificação de um piano de cauda tocado por Richard Wright e enviando o sinal por um alto - falante Leslie e uma unidade Binson Echorec . Após vários "pings", uma guitarra slide tocada por David Gilmour gradualmente se juntou. Os versos são cantados em harmonia por Gilmour e Wright, e acompanhados por um riff tocado por Gilmour e o baixista Roger Waters em uníssono. Isso é seguido por um solo de guitarra de Gilmour, tocado em uma Fender Stratocaster através de uma caixa de efeitos Fuzz Face , antes de repetir o riff anterior. Isso leva a uma jam influenciada pelo funk .

A seção do meio da música apresenta Waters usando um slide e um Binson Echorec . Gilmour toca um barulho estridente de alta frequência, que foi criado conectando um pedal wah-wah de trás para frente. O baterista Nick Mason mais tarde esclareceu que foi um acidente, e sua experiência em trabalhar com Ron Geesin os ensinou a abraçar experimentos e tentar qualquer coisa se funcionasse em uma música. Isso é seguido por uma repetição dos "pings" de piano de abertura e um solo de órgão Farfisa de Wright, com um apoio influenciado por " Good Vibrations " dos Beach Boys (1967).

Seguindo um terceiro verso final, o final da peça apresenta um segmento de som de coral tocando um tom de Shepard . Isso foi criado colocando dois gravadores em cantos opostos de uma sala; as fitas dos acordes principais da música eram então inseridas em um gravador e reproduzidas ao mesmo tempo em que eram gravadas. O outro gravador também foi configurado para tocar o que estava sendo gravado; isso criou um atraso entre as duas gravações, influenciando a estrutura dos acordes.

2. Composição

"Echoes" começou como uma coleção de experimentos musicais separados, alguns dos quais remanescentes de sessões anteriores. O grupo então organizou as peças para fazer uma peça coerente originalmente referida como "Nada, Partes 1-24". Algumas peças apresentavam membros da banda tocando uma gravação sem nenhuma ideia do que o resto do grupo tinha ou iria tocar, enquanto outras simplesmente tinham notas vagas como "primeiros dois minutos românticos, próximos dois up-tempo". Nem todas as peças foram usadas para a faixa finalizada, e as saídas incluíam dizer uma frase ao contrário, para que soasse correto, mas estranho quando a fita fosse invertida. As fitas subsequentes do trabalho em andamento foram rotuladas "O Filho do Nada" e "O Retorno do Filho do Nada"; o último título foi eventualmente usado para apresentar o trabalho ainda não lançado durante suas primeiras apresentações ao vivo no início de 1971.

Wright disse que compôs a introdução do piano e a progressão dos acordes principais da música, e que Waters escreveu as letras. Durante o desenvolvimento inicial, o primeiro verso da música ainda não tinha sido finalizado e referia-se ao encontro de dois corpos celestes. Para a letra final, Waters se inspirou em seu tempo em Londres no meio ao final dos anos 1960, sentindo uma sensação de desconexão e procurando o potencial para os humanos se conectarem uns com os outros. Uma observação em particular estava olhando de seu apartamento na Goldhawk Roade assistindo a uma procissão de passageiros passar, o que levou a "Estranhos passando na rua". "Echoes" estabeleceu uma tendência com Waters de escrever palavras enfáticas e explorar o tema da comunicação, que seria um tema-chave de O Lado Escuro da Lua (1973) e posteriormente o trabalho solo.

O Pink Floyd ensaiou a peça completa antes de enviar uma versão final para a fita. A gravação em estúdio foi dividida entre Abbey Road Studios, Morgan Studios e AIR Studios em Londres; os dois últimos foram usados porque tinham um gravador de 16 canais, o que tornava a montagem dos componentes individuais das músicas mais fácil. As faixas básicas de apoio foram gravadas entre 3 e 19 de março no Abbey Road, com os overdubs adicionais gravados no AIR de 30 de março a 1 ° de maio, com trabalho adicional no Morgan. O Pink Floyd foi apresentado em um episódio do programa 24 horas da BBC1 discutindo gravações piratas, que os mostrava ensaiando "Echoes" em Abbey Road.

"Echoes" apresenta um riff instrumental proeminente que é idêntico ao tema principal em Andrew Lloyd Webber é 1986 musical O Fantasma da Ópera. Waters considerou entrar com uma ação legal contra Lloyd Webber por plágio, mas se recusou a fazê-lo. Em vez disso, ele criticou Lloyd Webber em "It's a Miracle" em seu álbum solo de 1992 Amused to Death .

3. Performances ao vivo

Pink Floyd realizada pela primeira vez "Echoes" em Norwich Lads Clube em 22 de abril de 1971, e foi uma parte regular da banda de configurar para o concerto no Knebworth Parque em 5 de Julho de 1975. Foi originalmente anunciada pelo título provisório, "Return of the Son of Nothing" e não formalmente identificada como "Echoes" até a turnê do grupo no Japão, começando em 6 de agosto de 1971. Ocasionalmente, Waters apresentava a música com títulos bobos, como como "Olhando através dos nós na perna de madeira da vovó", "We Won The Double" (uma referência à dobradinha do Arsenal FC na Copa da Inglaterra de 1970-71 ),e "Março dos Dambusters".

A canção foi tocada em um concerto da BBC Radio 1 em 30 de setembro de 1971 e transmitida em 12 de outubro. Pouco depois, o Pink Floyd filmou uma performance ao vivo no Anfiteatro de Pompéia sem público para Live at Pompeii , onde foi dividido em duas metades para abrir e fechar o filme. "Echoes" foi uma das quatro peças que o Pink Floyd tocou em colaboração com um balé coreografado por Roland Petit no final de 1972 e no início de 1973. A faixa apresentava uma peça de balé solo para Rudy Bryans do Ballets de Marseille. Para os shows do grupo em 1973 em Earl's Court, a performance de "Echoes" contou com grandes quantidades de gelo seco sendo derramado no palco durante a seção intermediária, e chamas saindo de um caldeirão na parte de trás do palco.

Do final de 1974 ao concerto de Knebworth, "Echoes" foi apresentada como um encore. Essas apresentações apresentavam backing vocals de Venetta Fields e Carlena Williams e solos de saxofone de Dick Parry em vez dos solos de guitarra em apresentações anteriores. "Echoes" foi tocada nos onze primeiros shows da turnê A Momentary Lapse of Reason de 1987 , em uma versão ligeiramente reorganizada reduzida para 17 minutos. No entanto, Gilmour ficou desconfortável em cantar a letra "hippie", e os músicos em turnê acharam difícil replicar o som do estúdio original, então ele foi substituído por " Shine On You Crazy Diamond ".

Gilmour ressuscitou a música em sua turnê On an Island Tour de 2006 como o número de encerramento do set principal, com Wright se apresentando em sua banda. Wright disse que ainda gostava de tocar a música ao vivo e ficou surpreso com a resposta do público ao "ping" de abertura durante a turnê. Essas performances aparecem no filme Remember That Night de Gilmour e no álbum / filme Live in Gdańsk . [34] Uma versão acústica especial, apresentando apenas Gilmour e Wright e filmada ao vivo em Abbey Road, apresentada como uma faixa oculta em Remember That Night . Gilmour disse à Rolling Stoneem 2016, ao retornar a Pompéia para fazer um show solo que ele teria adorado fazer "Echoes", mas sentiu que não poderia fazer isso sem Wright, que morreu em 2008 - "Há algo que é especificamente tão individual na maneira como Rick e Eu jogo nisso, que você não pode fazer alguém aprender e fazer assim. " Da mesma forma, Mason não tocou "Echoes" ao vivo com Saucerful of Secrets de Nick Mason, pois ele sente que a faixa é fortemente identificada com Wright, embora a próxima turnê de 2022 do grupo seja chamada de "The Echoes Tour".

4. Lançamento

"Echoes" ocupou todo o segundo lado do álbum Meddle , lançado em 30 de outubro de 1971. Mason disse mais tarde que isso pode ter acontecido porque o grupo queria colocar material mais adequado para rádio no lado um. Uma versão editada da canção apareceu na compilação Echoes: The Best of Pink Floyd de 2001 , e como parte de um sampler promocional de 8 faixas.

A performance ao vivo em Pompeii foi lançada nos cinemas em setembro de 1972. Foi lançada pela primeira vez em vídeo em 1983, depois em DVD em 2003. Várias peças em andamento e performances ao vivo foram lançadas no box set de 2016 The Early Anos 1965-1972 .

5. Recepção

Em uma crítica ao álbum Meddle , Jean-Charles Costa da Rolling Stone deu a "Echoes" uma crítica positiva. Costa descreveu "Echoes" como "uma extravagância aural do Pink Floyd de 23 minutos que ocupa todo o lado dois, recaptura, dentro de uma nova estrutura musical, alguns dos velhos temas e linhas melódicas de álbuns anteriores", adicionando "Todos os isso mais um segmento funky de órgão-baixo-bateria e um impressionante solo de Gilmour somam-se a uma apresentação eletrônica bem estendida. "

A NME cobriu a data de abertura do Pink Floyd em sua turnê de 1972 no Reino Unido no Brighton Dome , e chamou "Echoes" um destaque do set, dizendo que foi "magistral". Revendo o concerto de Knebworth em 1975, Sounds disse que, apesar de uma performance mista no set principal, "Echoes" foi "bastante soberbo" e "tocou perfeitamente". A Rolling Stone disse que a performance ao vivo de Gilmour da peça em Gdańsk no final da On An Island Tour em 2006 foi "de cair o queixo". O guitarrista em turnê Phil Manzanera disse que "aquela versão de" Echoes "era a mais longa e a melhor. A vida é engraçada. É cósmica.

O autor Ed Macan chamou "Echoes" de "obra-prima" do Pink Floy d e uma ponte importante entre o grupo como uma banda cult e o sucesso mais tarde mainstream. Andy Cush disse que a faixa é uma transição entre o material experimental do grupo e o sucesso comercial posterior, enfatizando que é "ambiciosa além de qualquer coisa que o Pink Floy d tenha tentado antes, selvagem além de qualquer coisa que eles tenham tentado depois". Em 2008, a revista Uncut classificou "Echoes" em 30º lugar em uma lista das 30 melhores canções do Pink Floyd, enquanto em 2011, os leitores da Rolling Stone a nomearam como a quinta melhor canção do Pink Floyd. O site agregado Acclaimed Musiclista "Echoes" como a 78ª música mais aclamada de 1971.

Os membros do Pink Floyd têm opiniões mistas sobre a faixa. Wright disse que a peça foi "um destaque" e "uma das melhores faixas que o Floyd já fez". Waters e Gilmour disseram que foi um antegozo do que está por vir em O Lado Escuro da Lua , enquanto Mason disse que foi "um pouco longo demais".

6. Filme

O filme de 1973 de George Greenough , Crystal Voyager, conclui com um segmento de 23 minutos no qual a versão completa de "Echoes" acompanha uma montagem de imagens tiradas por Greenough com uma câmera montada em suas costas enquanto surfava em sua prancha. O grupo permitiu que Greenough e o diretor David Elfick usassem a música em seu filme em troca do uso das filmagens de Greenough como pano de fundo visual quando executaram "Echoes" no show. No início dos anos 1990, essa filmagem foi planejada para ser usada em um anúncio de limpador de banheiro, mas não obteve autorização da banda.

Semelhante ao efeito Lado Escuro do Arco-íris , os fãs sugeriram que "Echoes" coincidentemente sincroniza com o filme 2001 de Stanley Kubrick de 1968 : Uma Odisséia no Espaço , quando reproduzido simultaneamente com o segmento final de 23 minutos intitulado "Júpiter e Além do Infinito" . Kubrick mais tarde apresentaria cópias da trilha sonora de 2001 e Atom Heart Mother do Pink Floyd (1970) como adereços na cena da loja de discos em A Clockwork Orange (1971).

7. Versões de capa

Alien Sex Fiend fez o cover de um álbum tributo ao Pink Floyd, A Saucerful of Pink , lançado em julho de 1995. O músico britânico Ewan Cunningham fez um cover de "Echoes" em 2017 e carregou um vídeo no YouTube que o apresentava tocando todas as partes sozinho . Esta capa foi fortemente baseada na versão Live at Pompeii e recebeu elogios de Mason, que disse com humor: "Parece que estamos todos sem emprego!".

O duo de guitarra acústica Rodrigo y Gabriela coberto "Echoes" em seu álbum de 2019 Mettavolution , uma das sete faixas que ganhou o álbum de um prêmio para Melhor Contemporary Instrumental Album nos 62nd Grammy Awards em 2020. Ao rever esta versão da tampa, A Rolling Stone escreveu que "como o original, a música é sua própria jornada e é linda".

8. Pessoal

De acordo com Jean-Michel Guesdon e Phillipe Margotin:

David Gilmour - voz, guitarra elétrica

Richard Wright - voz, órgão Hammond , piano , órgão Farfisa

Roger Waters - baixo

Nick Mason - bateria, percussão

Pink Floyd - Echoes

Pink Floyd – Echoes Live Pompeii

David Gilmour - Echoes Live In Gdańsk

David Gilmour - Echoes Acoustic Version

Echoes & Phantom of the Opera - Comparison

Sister Rosetta Tharpe

Rosetta Tharpe (20 de março de 1915 – 9 de outubro de 1973) foi um cantora, compositora, guitarrista e artista musical americano. Ela alcançou popularidade nas décadas de 1930 e 1940 com suas gravações gospel, caracterizadas por uma mistura única de letras espirituais e guitarra elétrica que foi extremamente importante para as origens do rock and roll. Ela foi a primeira grande estrela de gravação de música gospel e entre os primeiros músicos gospel a atrair o público de rhythm-and-blues e rock-and-roll, mais tarde sendo referida como "a irmã original do soul" e "a madrinha do rock and roll". Ela influenciou os primeiros músicos de rock and roll, incluindo Little Richard, Johnny Cash, Carl Perkins, Chuck Berry, Elvis Presley e Jerry Lee Lewis.

Tharpe foi pioneira em sua técnica de guitarra; ela foi uma das primeiras artistas populares a usar distorção pesada em sua guitarra elétrica, pressagiando a ascensão do blues elétrico. Sua técnica de tocar guitarra teve uma profunda influência no desenvolvimento do blues britânico na década de 1960; em particular, uma turnê europeia com Muddy Waters em 1964 com uma parada em Manchester em 7 de maio é citada por proeminentes guitarristas britânicos como Eric Clapton, Jeff Beck e Keith Richards.

Disposta a cruzar a linha entre o sagrado e o secular, apresentando sua música de "luz" na "escuridão" de boates e salas de concerto com grandes bandas atrás dela, Tharpe empurrou a música espiritual para o mainstream e ajudou a abrir caminho para o pop-gospel, começando em 1938 com a gravação "Rock Me" e com seu sucesso de 1939 "This Train". Sua música única deixou uma marca duradoura em artistas gospel mais convencionais, como Ira Tucker, Sr., dos Dixie Hummingbirds. Embora ela tenha ofendido alguns frequentadores de igreja conservadores com suas incursões no mundo pop, ela nunca deixou a música gospel.

O lançamento de Tharpe em 1944, "Down by the Riverside", foi selecionado para o Registro Nacional de Gravações da Biblioteca do Congresso dos EUA em 2004, que observou que "captura seu estilo de guitarra animado e vocal único, demonstrando claramente sua influência em artistas de rhythm and blues "e citou sua influência em" muitos artistas de gospel, jazz e rock ". ("Down by the Riverside" foi gravado por Tharpe em 2 de dezembro de 1948, em Nova York, e lançado como single Decca 48106.) Seu sucesso de 1945 "Strange Things Happening Every Day", gravado no final de 1944, apresentou coz e guitarra elétrica de Tharpe, com Sammy Price (piano), baixo e bateria. Foi o primeiro disco gospel a cruzar a posição de número 2 na tabela "Race Records" da Billboard, o termo então usado para o que mais tarde se tornou a tabela de R&B, em abril de 1945. A gravação foi citada como precursora do rock and roll e, alternativamente, foi chamada de o primeiro disco de rock and roll. Em maio de 2018, Tharpe foi introduzido no Rock and Roll Hall of Fame como uma influência inicial.

1. Biografia

Nascida Rosetta Nubin em Cotton Plant, Arkansas, ela começou a se apresentar quando tinha apenas quatro anos. Era chamada "Little Rosetta Nubin, the singing and guitar playing miracle", acompanhando sua mãe (Katie Bell Nubin) que tocava bandolim na Igreja de Deus em Cristo pelo sul do país. Exposta a ambos blues e country music durante a infância, depois que sua família se mudou para Chicago, Illinois no final da década de 20, ela tocava um tipo de proto-rock escondido e apresentava música gospel publicamente. Seu estilo único refletiu influências antigas, pois ela tocava notas como músicos de jazz faziam e dedilhava a guitarra como fazia Memphis Minnie.

2. Carreira

Depois de se casar com o pastor Thomas Thorpe, da Igreja de Deus em Cristo, Rosetta ganhou o nome "Tharpe" por erros de grafia. Em 1934, eles se mudaram para Nova Iorque, e em outubro de 1940 ela gravou pela primeira vez, quatro faixas, com a Decca Records, acompanhada pela orquestra de Lucky Millinder. Suas gravações causaram um furor imediato, muitos frequentadores da igreja estavam chocados com a mistura de música sacra e outros ritmos, mas outras platéias adoraram essa mistura.

Apresentações em "From Spirituals To Swing" de John H. Hammond no final do mesmo ano no "Cotton Club" e "Café Society" com Cab Calloway e Benny Goodman fizeram com que Rosetta ficasse ainda mais famosa. Canções como "This Train" e "Rock Me", que combinavam temas gospel com arranjos mais rápidos, se tornaram hits entre um público que nunca havia sido exposto à música gospel.

Rosetta continuou gravando durante a Segunda Guerra Mundial, ela era um dos únicos dois artistas autorizados a gravar "v-discs" para tropas do outro lado do oceano. Sua música "Strange Things Happening Every Day", gravada em 1944 com Sammy Price, pianista de boogie woogie da Decca, mostrou sua virtuosidade como guitarrista e suas letras espirituosas. Essa também foi a primeira música gospel a ir para a corrida do top 10 da Billboard, algo que Sister Rosetta Tharpe conseguiu mais algumas vezes em sua carreira. A gravação é creditada por algumas fontes como a primeira gravação de Rock and roll.

Depois da guerra, a Decca juntou Sister Rosetta à cantora Marie Knight, e com o hit "up above my head" elas participaram do circuito gospel de turnês por alguns anos. Nessa época Sister Rosetta estava tão famosa que chegou a atrair um público pagante de aproximadamente 25.000 pessoas para o seu terceiro casamento com Russel Morrison que a empresariava na época. A celebração foi seguida de uma apresentação vocal no "Griffith Stadium" em Washington D.C. em 1951.

Sua popularidade entrou em decaída quando gravou algumas canções de blues no começo da década de 50. Marie Knight queria ir para o lado da música pop, enquanto Sister Rosetta continuava na igreja. Em uma ida para a Europa, Sister Rosetta voltou gradualmente para o circuito gospel, entretanto nunca mais obteve o mesmo sucesso.

Entre abril e maio de 1964, durante o surgimento do interesse popular em blues, ela participou de uma turnê pelo Reino Unido como parte da "American Folk Blues and Gospel Caravan", junto com Muddy Waters, Otis Spann, Ranson Knowling, Little Willie Smith, Reverend Gary Davis, Cousin Joe, Sonny Terry e Brownie McGhee. Rosetta era introduzida ao palco acompanhada pelo pianista Cousin Joe Pleasent. A caravana era administrada por Joe Boyd.

3. Fim da carreira e morte

Sister Rosetta parou subitamente de se apresentar após um derrame que sofreu em 1970, depois do qual teve uma perna amputada como resultado de complicações de diabetes.

Ela morreu em 1973 depois de outro derrame, na véspera de uma sessão de gravações agendada. Foi enterrada no "Northwood Cemetery" na Philadelphia, Pennsylvania em um túmulo sem identificação.

Em 2007 ela foi induzida ao Blues Hall of Fame. Em 2008, um show foi organizado para angariar fundos para seu túmulo e no mesmo ano foi declarado que dia 11 de janeiro seria o dia de Sister Rosetta Tharpe na Pennsylvania [19] e uma lápide foi colocado em seu túmulo. Um marco histórico foi colocado em sua antiga casa em Yorktown, Philadelphia.

4. Influência musical

Um número grande de músicos conhecidos, incluindo Elvis Presley, Jerry Lee Lewis, Isaac Hayes e Aretha Franklin reconheceram o estilo de cantar e tocar e o modo de se apresentar como uma grande influência. Little Richard aos vocais gritados e altos da música gospel como seu tipo de música favorito durante a infância. Em 1945, Sister Rosetta ouviu Richard cantar em seu show no auditório da cidade de Macon e o convidou para acompanhá-la no palco. Depois do show, ela pagou a ele pela apresentação. Johnny Cash também se referiu a Sister Rosetta como sua cantora preferida durante a infância no seu discurso na indução ao Rock and Roll Hall of Fame.

Em 2007, Alison Krauss e Robert Plant gravaram um dueto da música "Sister Rosetta Goes Before Us", escrita por Sam Phillips. Phillips lançou sua versão para a música em 2008 no seu álbum Don't Do Anything.

Apesar de ter criado o que hoje chamamos de rock and roll, Sister Rosetta Tharpe nunca foi devidamente reconhecida como tal. Muito pelo contrário, seu quase não aparece nas pesquisas relacionadas ao ritmo musical. Quando lhe perguntaram sobre música no final da década de 1960, ela disse: "Oh, essas crianças e rock and roll - isso apenas acelerou o rhythm and blues. Eu venho fazendo isso desde sempre".

5. Discografia

1951 Blessed Assurance

1956 Gospel Train

1957 Famous Negro Spirituals and Gospel Songs

1960 Gospels in Rhythm

1960 Sister Rosetta Tharpe

1960 Sister Rosetta Tharpe

1961 Sister on Tour

1962 The Gospel Truth

1963 Sister Rosetta Tharpe Sings Hot, Hot, Hot

1968 Precious Memories

Sister Rosetta Tharpe - Didn't It Rain? Live 1964 (Reelin' In The Years Archive)

Sister Rosetta Tharpe - Up Above My Head on Gospel Time TV show

Sister Rosetta Tharpe - This Train

Sister Rosetta Tharpe - Down By the Riverside

Feliz Natal e um Grande 2022

Os tempos andam estranhos, guerras invisíveis, desamor, confusão, caos, irmão brigando com irmão gerando discórdias e afastamentos.

Amizades são destruídas por não se aceitar o contraditório.

A verdade nunca foi tão distorcida como nos tempos atuais, e em parte isso contribui em muito para a instalação e manutenção desse caos em que nos colocamos.

A natureza é diariamente atacada por grandes impérios que o fazem única e exclusivamente com o objetivo de aumentar o seu poder, estendendo-o, se puder, para todo o mundo.

Triste fim será o deles, a justiça de Deus é implacável para aqueles que usam mau o seu poder.

A história da humanidade já viu isso acontecer várias vezes, impérios cresceram e desapareceram na mesma velocidade, mas parece que ainda não aprendemos e não nos apercebemos o quanto isso nos trará de dor e sofrimento.

Esse caminho se faz ao contrário daquele que foi dito pelo Nosso Mestre Jesus, o objeto das festividades que se avizinham.

Incrivelmente nós ainda escolhemos o Barrabás!

Nós inda não entendemos uma palavra sequer do que Ele nos disse.

A cultura nunca foi tão vilipendiada como atualmente, todo o legado cultural dos grandes vultos da humanidade estão sendo “queimados” da mente de nossos jovens, os quais estão cada vez maior do grande legado cultura que se encontra a nossa disposição.

Com isso a juventude se torna vazia e frágil, uma pena!

Mas eu acredito que isso terá um fim, a partir do qual tudo voltará ao seu curso normal, a família voltará a se reunir em torno de uma mesa e conversar olhando nos olhos um do outro, que o amor será verdadeiro, e que lágrimas escorrerão dos olhos quando algum amigo tiver sucesso em seu empreendimento.

Nesse momento, o Mestre Jesus que de onde ele se localiza nos acompanha incessantemente também deixará escorrer algumas lágrimas de seus olhos e feliz dirá: que suas vidas sigam à Luz de Deus e que vocês sejam felizes por toda a eternidade.

Walter lp Possibom

Jethro Tull - Tick as a Brick

Thick as a Brick é o quinto álbum de estúdio da banda britânica de Rock Jethro Tull, lançado em março de 1972. O álbum contém uma peça contínua de música, dividida em dois lados de um registro do LP, e é uma paródia do conceito do álbum gênero. A embalagem original, desenhada como um jornal, afirma que o álbum é uma adaptação musical de um poema épico do gênio fictício Gerald Bostock, de oito anos, embora as letras tenham sido escritas pelo frontman da banda, Ian Anderson.

O álbum foi gravado no final de 1971, com música composta por Anderson e arranjada com a contribuição de todos os membros da banda. O álbum foi o primeiro a incluir o baterista Barrie "Barriemore" Barlow, substituindo o baterista anterior da banda Clive Bunker. O show ao vivo promovendo o álbum incluiu a apresentação da suíte completa, com vários interlúdios de quadrinhos. “Thick as a Brick” é considerado, pelos críticos, como o primeiro lançamento do Jethro Tull a consistir inteiramente em rock progressivo. Recebeu críticas mistas em seu lançamento, mas foi um sucesso comercial e alcançou o topo das paradas em 1972. Hoje é considerado um clássico do rock progressivo e recebeu vários elogios. Anderson produziu uma sequência para o álbum em 2012, com foco na vida adulta do fictício Gerald Bostock.

1. História

O vocalista e compositor de Jethro Tull, Ian Anderson, ficou surpreso quando os críticos chamaram o álbum anterior da banda, Aqualung (1971), de um "álbum conceitual". Ele rejeitou isso, pensando que era simplesmente uma coleção de canções, então em resposta decidiu "criar algo que realmente seja a mãe de todos os álbuns conceituais". Tomando o humor inglês surreal de Monty Python como influência, ele começou a escrever uma peça que combinaria música complexa com senso de humor, com a ideia de zombar da banda, do público e os críticos de música. Ele também pretendia satirizar o gênero rock progressivo que era popular na época. A sua esposa Jennie também foi uma inspiração, a quem ele creditou ter criado o personagem e a letra de " Aqualung ". Ela havia escrito uma carta para Anderson enquanto ele estava viajando para o álbum, dez versos que Anderson usou como inspiração para o novo material.

Anderson também disse que "o álbum foi uma paródia dos álbuns de Yes e Emerson, Lake & Palmer, muito parecido com o que o filme Airplane! Tinha sido para Airport " e mais tarde comentou que era "um pouco de uma sátira sobre todo o conceito de grandes álbuns conceituais baseados no rock ". Embora Anderson tenha escrito todas as músicas e letras, ele co-creditou a escrita a um estudante fictício chamado Gerald Bostock. O humor era sutil o suficiente para que alguns fãs acreditassem que Bostock era real. Revendo a reedição do 40º aniversário, Noel Murray sugeriu que muitos ouvintes do álbum original "perderam a piada".

2. Gravação

O grupo teve duas semanas de ensaios no estúdio do porão dos Rolling Stones em Bermondsey. Eles não tinham a intenção de gravar uma única peça contínua; a banda criou segmentos de música individuais, então decidiu escrever peças curtas de música para uni-los.

A gravação começou em dezembro de 1971 no Morgan Studios, em Londres. Ao contrário dos álbuns anteriores, onde Anderson geralmente tinha escrito canções com antecedência, apenas a seção inicial do álbum tinha sido resolvida quando a banda entrou em estúdio. O restante da suíte foi escrito durante as sessões de gravação. Para compensar a falta de material, Anderson se levantava cedo todas as manhãs para preparar música para o resto da banda aprender durante a sessão daquele dia. As letras foram escritas primeiro, com a música construída para se encaixar em torno delas. Anderson lembra que o álbum levou cerca de duas semanas para ser gravado e outras duas ou três para overdubs e mixagens. O trabalho final abrangeu toda a duração de um disco LP , dividido em dois lados.

O grupo lembra que a gravação foi um processo alegre, com forte sentimento de camaradagem e diversão, com inúmeras brincadeiras. Eles eram fãs de Python, e esse estilo de humor influenciou as letras e o conceito geral. O guitarrista Martin Barre lembra que toda a banda teve várias idéias para a música. Algumas partes foram gravadas em uma única tomada com cada membro tendo uma contribuição, incluindo contribuições significativas do tecladista John Evan.

3. Estilo musical

“Thick as a Brick” foi visto por alguns críticos como o primeiro álbum de rock progressivo de Jethro Tull. O álbum tem uma variedade de temas musicais, mudanças de compasso e mudanças de andamento - todas características da cena do rock progressivo. Embora o álbum finalizado corra como uma peça contínua, ele é composto de um medley de canções individuais que se juntam, nenhuma das quais individualmente dura mais do que 3-5 minutos. Partes da suíte combinam música clássica e folclórica na estrutura típica da música rock.

O álbum apresenta proeminentemente flauta, guitarras acústicas e elétricas e órgão Hammond, que tinha sido usado anteriormente, mas a instrumentação inclui cravo, xilofone, tímpanos, violino, alaúde, trompete, saxofone e uma seção de cordas - todos incomuns no rock inspirado no blues anterior da banda. Anderson disse mais tarde que as letras eram parcialmente derivadas de suas próprias experiências de infância, embora o tema geral fosse a tentativa de Bostock de dar sentido à vida de seu ponto de vista.

4. Capa

A capa original do LP foi projetada como uma paródia de um jornal inglês de pequena cidade de 12 x 16 polegadas (305 x 406 mm), intitulado The St. Cleve Chronicle and Linwell Advertiser, com artigos, concursos e anúncios satirizando o típico jornalismo paroquial e amador da imprensa local inglesa. A gravadora da banda, Chrysalis Records, reclamou que a produção do encarte seria muito cara, mas Anderson rebateu que, se um jornal de verdade pudesse ser produzido, uma paródia de um também seria prática.

O jornal mock, datado de 7 de janeiro de 1972, também inclui a letra inteira de "Thick as a Brick" (impressa na página 7), que é apresentada como um poema escrito por Bostock, [18] cuja desclassificação de um concurso de poesia é o foco da história da primeira página. Este artigo afirma que, embora Bostock tenha vencido inicialmente o concurso, a decisão dos juízes foi revogada após protestos e ameaças sobre a natureza ofensiva do poema, juntamente com a suspeita de instabilidade psicológica do menino. A capa inclui um artigo onde Bostock é acusado sem fundamentos de ser o pai do filho de sua amiga de 14 anos, Julia. O interior do papel apresenta uma crítica simulada de "Julian Stone-Mason BA", um pseudônimo de Anderson.

O conteúdo do jornal foi escrito principalmente por Anderson, o baixista Jeffrey Hammond e o tecladista John Evan. [23] Embora algumas das peças fossem obviamente tolas, como "o próprio Magistrate Fines", havia uma longa história intitulada "Do Not See Me Rabbit" sobre um piloto na Batalha da Grã-Bretanha sendo abatido por um Messerschmitt Bf 109. O layout geral foi desenhado por Roy Eldridge de Chrysalis, que já havia trabalhado como jornalista. A maioria dos personagens do jornal eram membros da banda, seus empresários, equipe técnica ou colegas; por exemplo, o engenheiro de gravação Robin Black interpretou um campeão local de patinação. Anderson lembra que a capa demorou mais para ser produzida do que a música.

O jornal satírico foi fortemente abreviado para livretos de CD convencionais, mas a capa do CD da edição especial do 25º aniversário está mais próxima do original, e a versão embalada do 40º aniversário contém a maior parte do conteúdo do jornal original.

5. Performances ao vivo

Após o lançamento do álbum, a banda saiu em turnê, tocando a peça inteira com alguns acréscimos musicais extras que prolongaram as apresentações por mais de uma hora. [30] No início do show, homens vestindo capas apareceram no palco e começaram a varrer o chão, contando o público e estudando o local; após alguns minutos, alguns deles se revelaram membros da banda e começaram a tocar. Durante alguns shows, toda a banda parou no meio da apresentação quando um telefone tocou no palco, que Anderson atendia, antes de continuar a apresentação. Notícias e boletins meteorológicos foram lidos na metade do show, e um homem com roupa de mergulhador entrou no palco. O humor da turnê causou problemas no Japão, onde o público respondeu às mudanças com perplexidade. Barre lembra que essas primeiras apresentações ao vivo foram "uma experiência terrível", pois havia muita música complexa com uma variedade de mudanças de compasso para lembrar.

Anderson executou todo o álbum ao vivo em turnê em 2012, as primeiras apresentações completas desde a turnê original. Em agosto de 2014, Anderson lançou o CD / DVD / Blu-ray Thick as a Brick - Live in Iceland. O show foi gravado em Reykjavík, Islândia, em 22 de junho de 2012, e contou com apresentações completas de Thick as a Brick e Thick as a Brick 2 pela Ian Anderson Touring Band. Algum do humor e travessuras do palco foram mantidos - especialmente o telefone tocando no meio de uma música, que foi substituído por um telefone celular e uma chamada pelo Skype.

6. Recepção critica

Thick as a Brick foi originalmente programado para ser lançado em 25 de fevereiro de 1972. Após problemas de produção relacionados à greve dos mineiros de 1972, foi retido uma semana até 3 de março. O álbum alcançou o top 5 nas paradas do Reino Unido, e número um na Austrália, Canadá e Estados Unidos, onde foi certificado Platinum.

As críticas contemporâneas foram misturadas. Chris Welch, do Melody Maker, elogiou a musicalidade da banda e o jeito de tocar flauta de Anderson, escrevendo também que "a piada às custas de um jornal local se esgota rapidamente, mas não deve prejudicar a quantidade óbvia de pensamento e trabalho que foi investido a produção de Thick "; ele descreveu a música como um esforço criativo onde "as ideias fluem em abundância", mas que "precisa de tempo para ser absorvida" e "ouvida fora do contexto de seu ato de palco altamente visual ... não tem tal apelo imediato". Tony Tyler em sua crítica para New Musical Expressgeralmente apreciou a construção das suítes e os arranjos, mas tinha dúvidas sobre o possível sucesso do álbum. Ele chamou Thick as a Brick de "o épico independente de Jethro Tull após as falas de Tommy " e "um ataque à mediocridade e aspereza da existência de classe média baixa na Grã-Bretanha dos anos 70". Ben Gerson na revista Rolling Stone chamou Thick as a Brick "um dos produtos mais sofisticados e inovadores do rock". Indo mais longe, o crítico afirmou: "A guitarra de Martin Barre e os teclados de John Evan brilham especialmente, e o canto de Ian não é mais abrasivo. Seja ou não Thick As A Brické um experimento isolado, é bom saber que alguém no rock tem ambições além da faixa convencional de quatro ou cinco minutos, e tem a inteligência para realizar suas intenções, em toda a sua complexidade, com considerável graça.” Alan Niester da Rolling Stone deu-lhe 2 de 5 estrelas no The Rolling Stone Record Guide, julgando que tinha "movimentos relativamente indiferenciados". O crítico do Village Voice Robert Christgau não gostou do álbum, chamando-o de "a merda usual" da banda: "rock (ficando mais pesado), folk (ficando mais feyer), clássico (ficando mais schlockier), flauta (ficando melhor porque não tem escolha)".

As revisões retrospectivas foram positivas. AllMusic escreveu que "o primeiro épico LP de Jethro Tull é uma obra-prima nos anais do rock progressivo e uma das poucas obras desse tipo que ainda se mantém décadas depois." Jordan Blum do PopMatters acha que o álbum "abriu o caminho para o rock progressivo moderno" e "hoje, ele representa não apenas uma conquista máxima para Jethro Tull, mas também um exemplo concreto de como os artistas aventureiros e livres costumavam ser. " Record Collector ' s escreve colaborador que "hoje, livres de contexto irrelevante de um diagnóstico errado e escárnio que perseguiu-o em seu lançamento original,o álbum soa como nada menos do que um feito olímpico de composição e musicalidade. " De acordo com ocrítico do Modern Drummer, Adam Budofsky, "o fato de permanecer tão elevado nos corações e mentes dos fãs de rock progressivo quarenta anos depois é uma prova de sua qualidade". A história do rock progressivo de Paul Stumpcomentou sobre o álbum, "O 'conceito', uma leonização um tanto autoconsciente e educada do gênio individual ... contra o filistinismo burguês caricaturado, mal vê a luz do dia através das moitas de Anderson imagens, mas isso não diminui o que, em retrospecto, é uma tentativa bastante respeitável, embora periodicamente pisada na água, de técnica extensional avançada. "

Em 2014, a revista Prog listou Thick como um Brick no número 5 na lista "Os 100 Maiores Álbuns Prog de Todos os Tempos", votada por seus leitores. A Rolling Stone listou o álbum em 7º lugar em seu "Top 50 Prog Albums of All Time". Thick as a Brick está classificado em terceiro lugar na lista de álbuns do site gerenciado pelos usuários do Prog Archives, com uma classificação média de 4,64 estrelas, o baixista Geddy Lee do Rush disse que Thick as a Brick é um dos seus álbuns favoritos assim como disse o baixista do Iron Maiden os Steve Harris.

7. Lista de músicas

7.1. Lançamento original de 1972

Todas as letras são escritas por "Gerald Bostock" (Ian Anderson); todas as músicas são compostas por Anderson.

Side one

No. Title Length

1. "Thick as a Brick, Part I" 22:40

Side two

No. Title Length

2. "Thick as a Brick, Part II" 21:06

Total length: 43:46

7.2. Reedições

O álbum foi relançado em CD várias vezes: o primeiro lançamento em CD (1985), a versão MFSL (1989), a edição do 25º aniversário (1997) e a edição do 40º aniversário (2012).

A edição do 40º aniversário foi lançada em novembro de 2012 e inclui um CD, um DVD e um livro. O CD contém uma nova mixagem do álbum. O DVD contém uma mixagem de som surround 5.1 (em DTS e Dolby Digital), a nova mixagem em estéreo em alta resolução e a mixagem estéreo original em alta resolução. A primeira prensagem da caixa do DVD / CD continha um DVD defeituoso com erros de áudio significativos. Uma edição de substituição corrigida foi emitida posteriormente, com apenas uma linha horizontal abaixo da nota de "duração do álbum" no rótulo do disco para identificá-la. O álbum também foi relançado em vinil ao mesmo tempo. Esta edição lista a parte um às 22:45 e a parte dois às 21:07.

7.3. Erros de prensagem

Na reedição espanhola de 1976 no Chrysalis Green Label, número de série 89794-IE, o lado A não é um conjunto contínuo. A suíte é pelo menos separada em 5 músicas, faltando interlúdios musicais e também algumas letras. O lado B funciona corretamente como um conjunto contínuo.

8. A Banda

8.1. Jethro Tull

Ian Anderson - voz , violão , flauta , violino , trompete , saxofone , acordeão

Martin Barre - guitarra elétrica , alaúde , flauta

John Evan - piano , órgão , cravo

Jeffrey Hammond (como "Jeffrey Hammond-Hammond") - baixo , palavra falada

Barriemore Barlow - bateria , percussão , tímpanos

9.2. Pessoal adicional

Dee Palmer - arranjos orquestrais

Terry Ellis - produtor executivo

Robin Black - engenheiro

10. Capa e continuidade

Em 2012, Ian Anderson anunciou planos para um álbum seguinte, Thick as a Brick 2: Whatever Happened to Gerald Bostock? De acordo com o site Jethro Tull, a sequência é "um álbum 'conceitual' de Rock Progressivo completo digno de seu antecessor. De menino para homem e mais além, ele analisa o que pode ter acontecido ao poeta infantil Gerald Bostock mais tarde na vida. Ou, talvez, qualquer um de nós. "

O álbum seguinte foi lançado em 2 de abril de 2012. Ele descreve cinco cenários diferentes da vida de Gerald Bostock, onde ele potencialmente se torna um banqueiro de investimentos ganancioso, um homossexual sem-teto, um soldado na Guerra do Afeganistão, um pregador evangelista hipócrita e um o homem mais comum que dirige uma loja de esquina, é casado e não tem filhos. Thick as a Brick 2 lista 17 músicas separadas mescladas em 13 faixas distintas (algumas rotuladas como medleys), embora também todas fluam juntas como uma única música. Para seguir o estilo do jornal fictício no Thick as a Brick original, foi criado um jornal on-line fictício.

Enquanto TAAB 2 foi um follow-up sobre Gerald Bostock, de 2014. Ian Anderson álbum solo Homo Erraticus foi apresentado como um trabalho de acompanhamento por Gerald Bostock. Na história de fundo que Anderson criou para o álbum, o agora Bostock de meia-idade encontrou um manuscrito não publicado de um certo Ernest T. Parritt (1873–1928), intitulado "Homo Britanicus Erraticus". Parritt estava convencido de que ele vivia vidas passadas como personagens históricos e escreveu relatos detalhados dessas vidas em seu trabalho; ele também escreveu sobre fantasias de vidas que ainda estavam por vir. Bostock então criou as letras baseadas nos escritos de Parritt, enquanto Anderson as colocava em música. Tal como acontece com o Thick as a Brick original, a autoria de cada música neste álbum é explicitamente creditada a Anderson e Bostock.

A montadora Hyundai usou a música em um de seus comerciais em 2001. Ian Anderson gravou uma nova versão especificamente para o comercial para evitar que outro artista o fizesse. Ele não dirige um Hyundai - na verdade, ele nunca teve carteira de motorista - se autodenominado um "passageiro profissional".

O compositor Richard Harvey fez covers de Thick as a Brick na compilação especial The Royal Philharmonic Orchestra Plays Prog Rock Classics.

Jethro Tull - Thick as a brick Full Album

Jethro Tull - Thick As A Brick (live in London 1977)

Thick as a brick - Lisa Simpson

Jethro Tull: Thick as a Brick Live AVO Sessions 2008

Ian Anderson´s Jethro Tull - Thick as a Brick - Praha 2021

Thick as a Brick Orchestral Medley Jethro Tull

Royal Philharmonic Orchestra - Thick as A Brick [Progressive Rock Classics]

Deep Purple no California Jam 1974

Deep Purple incendiário e destruidor!

Por Geoff Barton - Classic Rock - 03 de março de 2021

Em 1974, o Deep Purple tocou em um dos mais loucos festivais de rock'n'roll americano, o Californian Jam, em um set que terminou com Ritchie Blackmore atacando um cinegrafista. David Coverdale e Glenn Hughes se lembram bem

Ritchie Blackmore olha para o cinegrafista do California Jam 

(Crédito da imagem: Fin Costello / Getty Images)

O California Jam foi provavelmente o último grande festival de rock'n'roll americano louco pra cacete - como David Coverdale vai te dizer. Ele jogou lá com um cheque de um milhão de dólares enfiado no bolso de trás da calça jeans.

O California Jam aconteceu no Ontario Speedway na Califórnia (natch) em 6 de abril de 1974, na frente de 200.000 fãs de rock raivosos. Pelo menos esse foi o comparecimento oficial.

Extraoficialmente, provavelmente havia o dobro de pessoas lá. Deep Purple - que recentemente havia indicado Coverdale como seu vocalista - foi o álbum que mais vendeu nos Estados Unidos na época. Eles estavam no meio de uma grande turnê promovendo Burn - o primeiro álbum gravado pela formação Mk III da banda: Ritchie Blackmore (guitarra), Jon Lord (teclados), Ian Paice (bateria) e os novos garotos Glenn Hughes (baixo) e Coverdale. Os dois últimos substituíram Roger Glover e Ian Gillan, respectivamente, em 1973.

O California Jam foi um evento colossal. Grande parte dele foi transmitido ao vivo pela rede de televisão americana ABC, que também foi patrocinadora do programa. Outras bandas incluídas no projeto incluem Black Sabbath, Black Oak Arkansas, The Eagles, Emerson Lake & Palmer, Earth Wind & Fire , Rare Earth e Seals & Crofts. Mas o Purple era a atração principal.

Deep Purple - Live at the California Jam 1974 - Full Concert