Sister Rosetta Tharpe

Rosetta Tharpe (20 de março de 1915 – 9 de outubro de 1973) foi um cantora, compositora, guitarrista e artista musical americano. Ela alcançou popularidade nas décadas de 1930 e 1940 com suas gravações gospel, caracterizadas por uma mistura única de letras espirituais e guitarra elétrica que foi extremamente importante para as origens do rock and roll. Ela foi a primeira grande estrela de gravação de música gospel e entre os primeiros músicos gospel a atrair o público de rhythm-and-blues e rock-and-roll, mais tarde sendo referida como "a irmã original do soul" e "a madrinha do rock and roll". Ela influenciou os primeiros músicos de rock and roll, incluindo Little Richard, Johnny Cash, Carl Perkins, Chuck Berry, Elvis Presley e Jerry Lee Lewis.

Tharpe foi pioneira em sua técnica de guitarra; ela foi uma das primeiras artistas populares a usar distorção pesada em sua guitarra elétrica, pressagiando a ascensão do blues elétrico. Sua técnica de tocar guitarra teve uma profunda influência no desenvolvimento do blues britânico na década de 1960; em particular, uma turnê europeia com Muddy Waters em 1964 com uma parada em Manchester em 7 de maio é citada por proeminentes guitarristas britânicos como Eric Clapton, Jeff Beck e Keith Richards.

Disposta a cruzar a linha entre o sagrado e o secular, apresentando sua música de "luz" na "escuridão" de boates e salas de concerto com grandes bandas atrás dela, Tharpe empurrou a música espiritual para o mainstream e ajudou a abrir caminho para o pop-gospel, começando em 1938 com a gravação "Rock Me" e com seu sucesso de 1939 "This Train". Sua música única deixou uma marca duradoura em artistas gospel mais convencionais, como Ira Tucker, Sr., dos Dixie Hummingbirds. Embora ela tenha ofendido alguns frequentadores de igreja conservadores com suas incursões no mundo pop, ela nunca deixou a música gospel.

O lançamento de Tharpe em 1944, "Down by the Riverside", foi selecionado para o Registro Nacional de Gravações da Biblioteca do Congresso dos EUA em 2004, que observou que "captura seu estilo de guitarra animado e vocal único, demonstrando claramente sua influência em artistas de rhythm and blues "e citou sua influência em" muitos artistas de gospel, jazz e rock ". ("Down by the Riverside" foi gravado por Tharpe em 2 de dezembro de 1948, em Nova York, e lançado como single Decca 48106.) Seu sucesso de 1945 "Strange Things Happening Every Day", gravado no final de 1944, apresentou coz e guitarra elétrica de Tharpe, com Sammy Price (piano), baixo e bateria. Foi o primeiro disco gospel a cruzar a posição de número 2 na tabela "Race Records" da Billboard, o termo então usado para o que mais tarde se tornou a tabela de R&B, em abril de 1945. A gravação foi citada como precursora do rock and roll e, alternativamente, foi chamada de o primeiro disco de rock and roll. Em maio de 2018, Tharpe foi introduzido no Rock and Roll Hall of Fame como uma influência inicial.

1. Biografia

Nascida Rosetta Nubin em Cotton Plant, Arkansas, ela começou a se apresentar quando tinha apenas quatro anos. Era chamada "Little Rosetta Nubin, the singing and guitar playing miracle", acompanhando sua mãe (Katie Bell Nubin) que tocava bandolim na Igreja de Deus em Cristo pelo sul do país. Exposta a ambos blues e country music durante a infância, depois que sua família se mudou para Chicago, Illinois no final da década de 20, ela tocava um tipo de proto-rock escondido e apresentava música gospel publicamente. Seu estilo único refletiu influências antigas, pois ela tocava notas como músicos de jazz faziam e dedilhava a guitarra como fazia Memphis Minnie.

2. Carreira

Depois de se casar com o pastor Thomas Thorpe, da Igreja de Deus em Cristo, Rosetta ganhou o nome "Tharpe" por erros de grafia. Em 1934, eles se mudaram para Nova Iorque, e em outubro de 1940 ela gravou pela primeira vez, quatro faixas, com a Decca Records, acompanhada pela orquestra de Lucky Millinder. Suas gravações causaram um furor imediato, muitos frequentadores da igreja estavam chocados com a mistura de música sacra e outros ritmos, mas outras platéias adoraram essa mistura.

Apresentações em "From Spirituals To Swing" de John H. Hammond no final do mesmo ano no "Cotton Club" e "Café Society" com Cab Calloway e Benny Goodman fizeram com que Rosetta ficasse ainda mais famosa. Canções como "This Train" e "Rock Me", que combinavam temas gospel com arranjos mais rápidos, se tornaram hits entre um público que nunca havia sido exposto à música gospel.

Rosetta continuou gravando durante a Segunda Guerra Mundial, ela era um dos únicos dois artistas autorizados a gravar "v-discs" para tropas do outro lado do oceano. Sua música "Strange Things Happening Every Day", gravada em 1944 com Sammy Price, pianista de boogie woogie da Decca, mostrou sua virtuosidade como guitarrista e suas letras espirituosas. Essa também foi a primeira música gospel a ir para a corrida do top 10 da Billboard, algo que Sister Rosetta Tharpe conseguiu mais algumas vezes em sua carreira. A gravação é creditada por algumas fontes como a primeira gravação de Rock and roll.

Depois da guerra, a Decca juntou Sister Rosetta à cantora Marie Knight, e com o hit "up above my head" elas participaram do circuito gospel de turnês por alguns anos. Nessa época Sister Rosetta estava tão famosa que chegou a atrair um público pagante de aproximadamente 25.000 pessoas para o seu terceiro casamento com Russel Morrison que a empresariava na época. A celebração foi seguida de uma apresentação vocal no "Griffith Stadium" em Washington D.C. em 1951.

Sua popularidade entrou em decaída quando gravou algumas canções de blues no começo da década de 50. Marie Knight queria ir para o lado da música pop, enquanto Sister Rosetta continuava na igreja. Em uma ida para a Europa, Sister Rosetta voltou gradualmente para o circuito gospel, entretanto nunca mais obteve o mesmo sucesso.

Entre abril e maio de 1964, durante o surgimento do interesse popular em blues, ela participou de uma turnê pelo Reino Unido como parte da "American Folk Blues and Gospel Caravan", junto com Muddy Waters, Otis Spann, Ranson Knowling, Little Willie Smith, Reverend Gary Davis, Cousin Joe, Sonny Terry e Brownie McGhee. Rosetta era introduzida ao palco acompanhada pelo pianista Cousin Joe Pleasent. A caravana era administrada por Joe Boyd.

3. Fim da carreira e morte

Sister Rosetta parou subitamente de se apresentar após um derrame que sofreu em 1970, depois do qual teve uma perna amputada como resultado de complicações de diabetes.

Ela morreu em 1973 depois de outro derrame, na véspera de uma sessão de gravações agendada. Foi enterrada no "Northwood Cemetery" na Philadelphia, Pennsylvania em um túmulo sem identificação.

Em 2007 ela foi induzida ao Blues Hall of Fame. Em 2008, um show foi organizado para angariar fundos para seu túmulo e no mesmo ano foi declarado que dia 11 de janeiro seria o dia de Sister Rosetta Tharpe na Pennsylvania [19] e uma lápide foi colocado em seu túmulo. Um marco histórico foi colocado em sua antiga casa em Yorktown, Philadelphia.

4. Influência musical

Um número grande de músicos conhecidos, incluindo Elvis Presley, Jerry Lee Lewis, Isaac Hayes e Aretha Franklin reconheceram o estilo de cantar e tocar e o modo de se apresentar como uma grande influência. Little Richard aos vocais gritados e altos da música gospel como seu tipo de música favorito durante a infância. Em 1945, Sister Rosetta ouviu Richard cantar em seu show no auditório da cidade de Macon e o convidou para acompanhá-la no palco. Depois do show, ela pagou a ele pela apresentação. Johnny Cash também se referiu a Sister Rosetta como sua cantora preferida durante a infância no seu discurso na indução ao Rock and Roll Hall of Fame.

Em 2007, Alison Krauss e Robert Plant gravaram um dueto da música "Sister Rosetta Goes Before Us", escrita por Sam Phillips. Phillips lançou sua versão para a música em 2008 no seu álbum Don't Do Anything.

Apesar de ter criado o que hoje chamamos de rock and roll, Sister Rosetta Tharpe nunca foi devidamente reconhecida como tal. Muito pelo contrário, seu quase não aparece nas pesquisas relacionadas ao ritmo musical. Quando lhe perguntaram sobre música no final da década de 1960, ela disse: "Oh, essas crianças e rock and roll - isso apenas acelerou o rhythm and blues. Eu venho fazendo isso desde sempre".

5. Discografia

1951 Blessed Assurance

1956 Gospel Train

1957 Famous Negro Spirituals and Gospel Songs

1960 Gospels in Rhythm

1960 Sister Rosetta Tharpe

1960 Sister Rosetta Tharpe

1961 Sister on Tour

1962 The Gospel Truth

1963 Sister Rosetta Tharpe Sings Hot, Hot, Hot

1968 Precious Memories

Sister Rosetta Tharpe - Didn't It Rain? Live 1964 (Reelin' In The Years Archive)

Sister Rosetta Tharpe - Up Above My Head on Gospel Time TV show

Sister Rosetta Tharpe - This Train

Sister Rosetta Tharpe - Down By the Riverside

Feliz Natal e um Grande 2022

Os tempos andam estranhos, guerras invisíveis, desamor, confusão, caos, irmão brigando com irmão gerando discórdias e afastamentos.

Amizades são destruídas por não se aceitar o contraditório.

A verdade nunca foi tão distorcida como nos tempos atuais, e em parte isso contribui em muito para a instalação e manutenção desse caos em que nos colocamos.

A natureza é diariamente atacada por grandes impérios que o fazem única e exclusivamente com o objetivo de aumentar o seu poder, estendendo-o, se puder, para todo o mundo.

Triste fim será o deles, a justiça de Deus é implacável para aqueles que usam mau o seu poder.

A história da humanidade já viu isso acontecer várias vezes, impérios cresceram e desapareceram na mesma velocidade, mas parece que ainda não aprendemos e não nos apercebemos o quanto isso nos trará de dor e sofrimento.

Esse caminho se faz ao contrário daquele que foi dito pelo Nosso Mestre Jesus, o objeto das festividades que se avizinham.

Incrivelmente nós ainda escolhemos o Barrabás!

Nós inda não entendemos uma palavra sequer do que Ele nos disse.

A cultura nunca foi tão vilipendiada como atualmente, todo o legado cultural dos grandes vultos da humanidade estão sendo “queimados” da mente de nossos jovens, os quais estão cada vez maior do grande legado cultura que se encontra a nossa disposição.

Com isso a juventude se torna vazia e frágil, uma pena!

Mas eu acredito que isso terá um fim, a partir do qual tudo voltará ao seu curso normal, a família voltará a se reunir em torno de uma mesa e conversar olhando nos olhos um do outro, que o amor será verdadeiro, e que lágrimas escorrerão dos olhos quando algum amigo tiver sucesso em seu empreendimento.

Nesse momento, o Mestre Jesus que de onde ele se localiza nos acompanha incessantemente também deixará escorrer algumas lágrimas de seus olhos e feliz dirá: que suas vidas sigam à Luz de Deus e que vocês sejam felizes por toda a eternidade.

Walter lp Possibom

Jethro Tull - Tick as a Brick

Thick as a Brick é o quinto álbum de estúdio da banda britânica de Rock Jethro Tull, lançado em março de 1972. O álbum contém uma peça contínua de música, dividida em dois lados de um registro do LP, e é uma paródia do conceito do álbum gênero. A embalagem original, desenhada como um jornal, afirma que o álbum é uma adaptação musical de um poema épico do gênio fictício Gerald Bostock, de oito anos, embora as letras tenham sido escritas pelo frontman da banda, Ian Anderson.

O álbum foi gravado no final de 1971, com música composta por Anderson e arranjada com a contribuição de todos os membros da banda. O álbum foi o primeiro a incluir o baterista Barrie "Barriemore" Barlow, substituindo o baterista anterior da banda Clive Bunker. O show ao vivo promovendo o álbum incluiu a apresentação da suíte completa, com vários interlúdios de quadrinhos. “Thick as a Brick” é considerado, pelos críticos, como o primeiro lançamento do Jethro Tull a consistir inteiramente em rock progressivo. Recebeu críticas mistas em seu lançamento, mas foi um sucesso comercial e alcançou o topo das paradas em 1972. Hoje é considerado um clássico do rock progressivo e recebeu vários elogios. Anderson produziu uma sequência para o álbum em 2012, com foco na vida adulta do fictício Gerald Bostock.

1. História

O vocalista e compositor de Jethro Tull, Ian Anderson, ficou surpreso quando os críticos chamaram o álbum anterior da banda, Aqualung (1971), de um "álbum conceitual". Ele rejeitou isso, pensando que era simplesmente uma coleção de canções, então em resposta decidiu "criar algo que realmente seja a mãe de todos os álbuns conceituais". Tomando o humor inglês surreal de Monty Python como influência, ele começou a escrever uma peça que combinaria música complexa com senso de humor, com a ideia de zombar da banda, do público e os críticos de música. Ele também pretendia satirizar o gênero rock progressivo que era popular na época. A sua esposa Jennie também foi uma inspiração, a quem ele creditou ter criado o personagem e a letra de " Aqualung ". Ela havia escrito uma carta para Anderson enquanto ele estava viajando para o álbum, dez versos que Anderson usou como inspiração para o novo material.

Anderson também disse que "o álbum foi uma paródia dos álbuns de Yes e Emerson, Lake & Palmer, muito parecido com o que o filme Airplane! Tinha sido para Airport " e mais tarde comentou que era "um pouco de uma sátira sobre todo o conceito de grandes álbuns conceituais baseados no rock ". Embora Anderson tenha escrito todas as músicas e letras, ele co-creditou a escrita a um estudante fictício chamado Gerald Bostock. O humor era sutil o suficiente para que alguns fãs acreditassem que Bostock era real. Revendo a reedição do 40º aniversário, Noel Murray sugeriu que muitos ouvintes do álbum original "perderam a piada".

2. Gravação

O grupo teve duas semanas de ensaios no estúdio do porão dos Rolling Stones em Bermondsey. Eles não tinham a intenção de gravar uma única peça contínua; a banda criou segmentos de música individuais, então decidiu escrever peças curtas de música para uni-los.

A gravação começou em dezembro de 1971 no Morgan Studios, em Londres. Ao contrário dos álbuns anteriores, onde Anderson geralmente tinha escrito canções com antecedência, apenas a seção inicial do álbum tinha sido resolvida quando a banda entrou em estúdio. O restante da suíte foi escrito durante as sessões de gravação. Para compensar a falta de material, Anderson se levantava cedo todas as manhãs para preparar música para o resto da banda aprender durante a sessão daquele dia. As letras foram escritas primeiro, com a música construída para se encaixar em torno delas. Anderson lembra que o álbum levou cerca de duas semanas para ser gravado e outras duas ou três para overdubs e mixagens. O trabalho final abrangeu toda a duração de um disco LP , dividido em dois lados.

O grupo lembra que a gravação foi um processo alegre, com forte sentimento de camaradagem e diversão, com inúmeras brincadeiras. Eles eram fãs de Python, e esse estilo de humor influenciou as letras e o conceito geral. O guitarrista Martin Barre lembra que toda a banda teve várias idéias para a música. Algumas partes foram gravadas em uma única tomada com cada membro tendo uma contribuição, incluindo contribuições significativas do tecladista John Evan.

3. Estilo musical

“Thick as a Brick” foi visto por alguns críticos como o primeiro álbum de rock progressivo de Jethro Tull. O álbum tem uma variedade de temas musicais, mudanças de compasso e mudanças de andamento - todas características da cena do rock progressivo. Embora o álbum finalizado corra como uma peça contínua, ele é composto de um medley de canções individuais que se juntam, nenhuma das quais individualmente dura mais do que 3-5 minutos. Partes da suíte combinam música clássica e folclórica na estrutura típica da música rock.

O álbum apresenta proeminentemente flauta, guitarras acústicas e elétricas e órgão Hammond, que tinha sido usado anteriormente, mas a instrumentação inclui cravo, xilofone, tímpanos, violino, alaúde, trompete, saxofone e uma seção de cordas - todos incomuns no rock inspirado no blues anterior da banda. Anderson disse mais tarde que as letras eram parcialmente derivadas de suas próprias experiências de infância, embora o tema geral fosse a tentativa de Bostock de dar sentido à vida de seu ponto de vista.

4. Capa

A capa original do LP foi projetada como uma paródia de um jornal inglês de pequena cidade de 12 x 16 polegadas (305 x 406 mm), intitulado The St. Cleve Chronicle and Linwell Advertiser, com artigos, concursos e anúncios satirizando o típico jornalismo paroquial e amador da imprensa local inglesa. A gravadora da banda, Chrysalis Records, reclamou que a produção do encarte seria muito cara, mas Anderson rebateu que, se um jornal de verdade pudesse ser produzido, uma paródia de um também seria prática.

O jornal mock, datado de 7 de janeiro de 1972, também inclui a letra inteira de "Thick as a Brick" (impressa na página 7), que é apresentada como um poema escrito por Bostock, [18] cuja desclassificação de um concurso de poesia é o foco da história da primeira página. Este artigo afirma que, embora Bostock tenha vencido inicialmente o concurso, a decisão dos juízes foi revogada após protestos e ameaças sobre a natureza ofensiva do poema, juntamente com a suspeita de instabilidade psicológica do menino. A capa inclui um artigo onde Bostock é acusado sem fundamentos de ser o pai do filho de sua amiga de 14 anos, Julia. O interior do papel apresenta uma crítica simulada de "Julian Stone-Mason BA", um pseudônimo de Anderson.

O conteúdo do jornal foi escrito principalmente por Anderson, o baixista Jeffrey Hammond e o tecladista John Evan. [23] Embora algumas das peças fossem obviamente tolas, como "o próprio Magistrate Fines", havia uma longa história intitulada "Do Not See Me Rabbit" sobre um piloto na Batalha da Grã-Bretanha sendo abatido por um Messerschmitt Bf 109. O layout geral foi desenhado por Roy Eldridge de Chrysalis, que já havia trabalhado como jornalista. A maioria dos personagens do jornal eram membros da banda, seus empresários, equipe técnica ou colegas; por exemplo, o engenheiro de gravação Robin Black interpretou um campeão local de patinação. Anderson lembra que a capa demorou mais para ser produzida do que a música.

O jornal satírico foi fortemente abreviado para livretos de CD convencionais, mas a capa do CD da edição especial do 25º aniversário está mais próxima do original, e a versão embalada do 40º aniversário contém a maior parte do conteúdo do jornal original.

5. Performances ao vivo

Após o lançamento do álbum, a banda saiu em turnê, tocando a peça inteira com alguns acréscimos musicais extras que prolongaram as apresentações por mais de uma hora. [30] No início do show, homens vestindo capas apareceram no palco e começaram a varrer o chão, contando o público e estudando o local; após alguns minutos, alguns deles se revelaram membros da banda e começaram a tocar. Durante alguns shows, toda a banda parou no meio da apresentação quando um telefone tocou no palco, que Anderson atendia, antes de continuar a apresentação. Notícias e boletins meteorológicos foram lidos na metade do show, e um homem com roupa de mergulhador entrou no palco. O humor da turnê causou problemas no Japão, onde o público respondeu às mudanças com perplexidade. Barre lembra que essas primeiras apresentações ao vivo foram "uma experiência terrível", pois havia muita música complexa com uma variedade de mudanças de compasso para lembrar.

Anderson executou todo o álbum ao vivo em turnê em 2012, as primeiras apresentações completas desde a turnê original. Em agosto de 2014, Anderson lançou o CD / DVD / Blu-ray Thick as a Brick - Live in Iceland. O show foi gravado em Reykjavík, Islândia, em 22 de junho de 2012, e contou com apresentações completas de Thick as a Brick e Thick as a Brick 2 pela Ian Anderson Touring Band. Algum do humor e travessuras do palco foram mantidos - especialmente o telefone tocando no meio de uma música, que foi substituído por um telefone celular e uma chamada pelo Skype.

6. Recepção critica

Thick as a Brick foi originalmente programado para ser lançado em 25 de fevereiro de 1972. Após problemas de produção relacionados à greve dos mineiros de 1972, foi retido uma semana até 3 de março. O álbum alcançou o top 5 nas paradas do Reino Unido, e número um na Austrália, Canadá e Estados Unidos, onde foi certificado Platinum.

As críticas contemporâneas foram misturadas. Chris Welch, do Melody Maker, elogiou a musicalidade da banda e o jeito de tocar flauta de Anderson, escrevendo também que "a piada às custas de um jornal local se esgota rapidamente, mas não deve prejudicar a quantidade óbvia de pensamento e trabalho que foi investido a produção de Thick "; ele descreveu a música como um esforço criativo onde "as ideias fluem em abundância", mas que "precisa de tempo para ser absorvida" e "ouvida fora do contexto de seu ato de palco altamente visual ... não tem tal apelo imediato". Tony Tyler em sua crítica para New Musical Expressgeralmente apreciou a construção das suítes e os arranjos, mas tinha dúvidas sobre o possível sucesso do álbum. Ele chamou Thick as a Brick de "o épico independente de Jethro Tull após as falas de Tommy " e "um ataque à mediocridade e aspereza da existência de classe média baixa na Grã-Bretanha dos anos 70". Ben Gerson na revista Rolling Stone chamou Thick as a Brick "um dos produtos mais sofisticados e inovadores do rock". Indo mais longe, o crítico afirmou: "A guitarra de Martin Barre e os teclados de John Evan brilham especialmente, e o canto de Ian não é mais abrasivo. Seja ou não Thick As A Brické um experimento isolado, é bom saber que alguém no rock tem ambições além da faixa convencional de quatro ou cinco minutos, e tem a inteligência para realizar suas intenções, em toda a sua complexidade, com considerável graça.” Alan Niester da Rolling Stone deu-lhe 2 de 5 estrelas no The Rolling Stone Record Guide, julgando que tinha "movimentos relativamente indiferenciados". O crítico do Village Voice Robert Christgau não gostou do álbum, chamando-o de "a merda usual" da banda: "rock (ficando mais pesado), folk (ficando mais feyer), clássico (ficando mais schlockier), flauta (ficando melhor porque não tem escolha)".

As revisões retrospectivas foram positivas. AllMusic escreveu que "o primeiro épico LP de Jethro Tull é uma obra-prima nos anais do rock progressivo e uma das poucas obras desse tipo que ainda se mantém décadas depois." Jordan Blum do PopMatters acha que o álbum "abriu o caminho para o rock progressivo moderno" e "hoje, ele representa não apenas uma conquista máxima para Jethro Tull, mas também um exemplo concreto de como os artistas aventureiros e livres costumavam ser. " Record Collector ' s escreve colaborador que "hoje, livres de contexto irrelevante de um diagnóstico errado e escárnio que perseguiu-o em seu lançamento original,o álbum soa como nada menos do que um feito olímpico de composição e musicalidade. " De acordo com ocrítico do Modern Drummer, Adam Budofsky, "o fato de permanecer tão elevado nos corações e mentes dos fãs de rock progressivo quarenta anos depois é uma prova de sua qualidade". A história do rock progressivo de Paul Stumpcomentou sobre o álbum, "O 'conceito', uma leonização um tanto autoconsciente e educada do gênio individual ... contra o filistinismo burguês caricaturado, mal vê a luz do dia através das moitas de Anderson imagens, mas isso não diminui o que, em retrospecto, é uma tentativa bastante respeitável, embora periodicamente pisada na água, de técnica extensional avançada. "

Em 2014, a revista Prog listou Thick como um Brick no número 5 na lista "Os 100 Maiores Álbuns Prog de Todos os Tempos", votada por seus leitores. A Rolling Stone listou o álbum em 7º lugar em seu "Top 50 Prog Albums of All Time". Thick as a Brick está classificado em terceiro lugar na lista de álbuns do site gerenciado pelos usuários do Prog Archives, com uma classificação média de 4,64 estrelas, o baixista Geddy Lee do Rush disse que Thick as a Brick é um dos seus álbuns favoritos assim como disse o baixista do Iron Maiden os Steve Harris.

7. Lista de músicas

7.1. Lançamento original de 1972

Todas as letras são escritas por "Gerald Bostock" (Ian Anderson); todas as músicas são compostas por Anderson.

Side one

No. Title Length

1. "Thick as a Brick, Part I" 22:40

Side two

No. Title Length

2. "Thick as a Brick, Part II" 21:06

Total length: 43:46

7.2. Reedições

O álbum foi relançado em CD várias vezes: o primeiro lançamento em CD (1985), a versão MFSL (1989), a edição do 25º aniversário (1997) e a edição do 40º aniversário (2012).

A edição do 40º aniversário foi lançada em novembro de 2012 e inclui um CD, um DVD e um livro. O CD contém uma nova mixagem do álbum. O DVD contém uma mixagem de som surround 5.1 (em DTS e Dolby Digital), a nova mixagem em estéreo em alta resolução e a mixagem estéreo original em alta resolução. A primeira prensagem da caixa do DVD / CD continha um DVD defeituoso com erros de áudio significativos. Uma edição de substituição corrigida foi emitida posteriormente, com apenas uma linha horizontal abaixo da nota de "duração do álbum" no rótulo do disco para identificá-la. O álbum também foi relançado em vinil ao mesmo tempo. Esta edição lista a parte um às 22:45 e a parte dois às 21:07.

7.3. Erros de prensagem

Na reedição espanhola de 1976 no Chrysalis Green Label, número de série 89794-IE, o lado A não é um conjunto contínuo. A suíte é pelo menos separada em 5 músicas, faltando interlúdios musicais e também algumas letras. O lado B funciona corretamente como um conjunto contínuo.

8. A Banda

8.1. Jethro Tull

Ian Anderson - voz , violão , flauta , violino , trompete , saxofone , acordeão

Martin Barre - guitarra elétrica , alaúde , flauta

John Evan - piano , órgão , cravo

Jeffrey Hammond (como "Jeffrey Hammond-Hammond") - baixo , palavra falada

Barriemore Barlow - bateria , percussão , tímpanos

9.2. Pessoal adicional

Dee Palmer - arranjos orquestrais

Terry Ellis - produtor executivo

Robin Black - engenheiro

10. Capa e continuidade

Em 2012, Ian Anderson anunciou planos para um álbum seguinte, Thick as a Brick 2: Whatever Happened to Gerald Bostock? De acordo com o site Jethro Tull, a sequência é "um álbum 'conceitual' de Rock Progressivo completo digno de seu antecessor. De menino para homem e mais além, ele analisa o que pode ter acontecido ao poeta infantil Gerald Bostock mais tarde na vida. Ou, talvez, qualquer um de nós. "

O álbum seguinte foi lançado em 2 de abril de 2012. Ele descreve cinco cenários diferentes da vida de Gerald Bostock, onde ele potencialmente se torna um banqueiro de investimentos ganancioso, um homossexual sem-teto, um soldado na Guerra do Afeganistão, um pregador evangelista hipócrita e um o homem mais comum que dirige uma loja de esquina, é casado e não tem filhos. Thick as a Brick 2 lista 17 músicas separadas mescladas em 13 faixas distintas (algumas rotuladas como medleys), embora também todas fluam juntas como uma única música. Para seguir o estilo do jornal fictício no Thick as a Brick original, foi criado um jornal on-line fictício.

Enquanto TAAB 2 foi um follow-up sobre Gerald Bostock, de 2014. Ian Anderson álbum solo Homo Erraticus foi apresentado como um trabalho de acompanhamento por Gerald Bostock. Na história de fundo que Anderson criou para o álbum, o agora Bostock de meia-idade encontrou um manuscrito não publicado de um certo Ernest T. Parritt (1873–1928), intitulado "Homo Britanicus Erraticus". Parritt estava convencido de que ele vivia vidas passadas como personagens históricos e escreveu relatos detalhados dessas vidas em seu trabalho; ele também escreveu sobre fantasias de vidas que ainda estavam por vir. Bostock então criou as letras baseadas nos escritos de Parritt, enquanto Anderson as colocava em música. Tal como acontece com o Thick as a Brick original, a autoria de cada música neste álbum é explicitamente creditada a Anderson e Bostock.

A montadora Hyundai usou a música em um de seus comerciais em 2001. Ian Anderson gravou uma nova versão especificamente para o comercial para evitar que outro artista o fizesse. Ele não dirige um Hyundai - na verdade, ele nunca teve carteira de motorista - se autodenominado um "passageiro profissional".

O compositor Richard Harvey fez covers de Thick as a Brick na compilação especial The Royal Philharmonic Orchestra Plays Prog Rock Classics.

Jethro Tull - Thick as a brick Full Album

Jethro Tull - Thick As A Brick (live in London 1977)

Thick as a brick - Lisa Simpson

Jethro Tull: Thick as a Brick Live AVO Sessions 2008

Ian Anderson´s Jethro Tull - Thick as a Brick - Praha 2021

Thick as a Brick Orchestral Medley Jethro Tull

Royal Philharmonic Orchestra - Thick as A Brick [Progressive Rock Classics]

Deep Purple no California Jam 1974

Deep Purple incendiário e destruidor!

Por Geoff Barton - Classic Rock - 03 de março de 2021

Em 1974, o Deep Purple tocou em um dos mais loucos festivais de rock'n'roll americano, o Californian Jam, em um set que terminou com Ritchie Blackmore atacando um cinegrafista. David Coverdale e Glenn Hughes se lembram bem

Ritchie Blackmore olha para o cinegrafista do California Jam 

(Crédito da imagem: Fin Costello / Getty Images)

O California Jam foi provavelmente o último grande festival de rock'n'roll americano louco pra cacete - como David Coverdale vai te dizer. Ele jogou lá com um cheque de um milhão de dólares enfiado no bolso de trás da calça jeans.

O California Jam aconteceu no Ontario Speedway na Califórnia (natch) em 6 de abril de 1974, na frente de 200.000 fãs de rock raivosos. Pelo menos esse foi o comparecimento oficial.

Extraoficialmente, provavelmente havia o dobro de pessoas lá. Deep Purple - que recentemente havia indicado Coverdale como seu vocalista - foi o álbum que mais vendeu nos Estados Unidos na época. Eles estavam no meio de uma grande turnê promovendo Burn - o primeiro álbum gravado pela formação Mk III da banda: Ritchie Blackmore (guitarra), Jon Lord (teclados), Ian Paice (bateria) e os novos garotos Glenn Hughes (baixo) e Coverdale. Os dois últimos substituíram Roger Glover e Ian Gillan, respectivamente, em 1973.

O California Jam foi um evento colossal. Grande parte dele foi transmitido ao vivo pela rede de televisão americana ABC, que também foi patrocinadora do programa. Outras bandas incluídas no projeto incluem Black Sabbath, Black Oak Arkansas, The Eagles, Emerson Lake & Palmer, Earth Wind & Fire , Rare Earth e Seals & Crofts. Mas o Purple era a atração principal.

Deep Purple - Live at the California Jam 1974 - Full Concert

Rock Progressivo

Rock progressivo (também abreviado por prog rock ou prog) é um gênero do rock que surgiu no fim da década de 1960, na Inglaterra. Tornou-se muito popular na década de 1970 e ainda hoje possui muitos adeptos.

O estilo flerta com alguns conceitos tradicionais de música clássica promovendo alterações radicais na música clássica e no jazz fusion, em contraste com o rock norte-americano, historicamente influenciado pelo rhythm and blues e pela música country. Ao longo dos anos apareceram muitos subgéneros deste estilo tais como o rock sinfônico, o space rock, o krautrock, o R.I.O, o metal progressivo e o avant-garde metal. Praticamente todos os países desenvolveram músicos ou agrupamentos musicais voltados a esse gênero.

1. Características

De acordo com entrevistas concedidas pelas bandas em documentários, não houve uma organização consciente de formação do estilo e seus protagonistas geralmente rejeitam ser rotulados, bem como, nas composições não havia padrão a ser seguido quanto a duração e forma. As principais características do rock progressivo incluem:

1.1. Elementos essenciais

• Composições longas, com harmonia e melodias complexas, por vezes atingindo 20 minutos ou mesmo o tempo de um álbum inteiro, sendo muitas vezes chamadas de épicos, como as canções "Echoes", "Shine On You Crazy Diamond" e "Atom Heart Mother" do Pink Floyd, ou "Supper's Ready" dos Genesis.

• Letras que abordam temas como ficção científica, fantasia, religião, guerra, amor, loucura e história.

• Álbuns conceituais, nos quais o tema ou história é explorado ao longo de todo o álbum, como 2112 e Hemispheres do Rush.

• Vocalizações pouco usuais e uso de harmonias vocais múltiplas, como feito pelos grupos Magma, Robert Wyatt e Gentle Giant.

• Uso proeminente de instrumentos eletrônicos, particularmente de teclados (como órgão Hammond, piano, mellotron, sintetizadores Moog e sintetizadores ARP), além da combinação usual do rock de guitarra, baixo e bateria.

• Uso de instrumentos pouco ligados à estética rock, como a flauta, o violoncelo, bandolim, trompete e corne inglês.

• O uso de síncope, compassos compostos e mistos, escalas musicais e modos complexos. como o início do álbum Close To The Edge do grupo Yes.

• Enormes solos de praticamente todos os instrumentos, expressamente para demonstrar o virtuosismo e feeling dos músicos, que contribuíram para a fama de intérpretes como Rick Wakeman, Neil Peart, David Gilmour e Greg Lake.

• Inclusão de peças clássicas nos álbuns, como o grupo Emerson Lake & Palmer, que incluía partes extensas de peças de Bach em seus álbuns.

Pela maior parte da crítica musical e do público, o grupo Pink Floyd é tido como uma banda de rock progressivo, pois tem como característica marcante de sua obra elementos como: músicas longas, arranjos não tradicionais, uso de sintetizadores e longas partes instrumentais. Porém, existe uma vertente de pesquisadores de música progressiva que afirma que, apesar de apresentar várias características em comum com o gênero, o Pink Floyd não poderia ser considerado progressivo, sendo rock psicodélico ou rock lisérgico a melhor definição para sua música. Segundo essa corrente, uma das principais assinaturas e característica determinante do gênero é como a música flui e se movimenta, passeado por mudanças de andamento e fórmula de compasso (influência da música clássica). Tal característica praticamente inexiste nas composições do Pink Floyd, que sempre teve o minimalismo como marca registrada. A música "Money" é uma das poucas exceções, cuja fórmula de compasso em boa parte é 7/4, porém não chega nem de perto no número de variações de clássicos do progressivo, como por exemplo "Heart of Sunrise" do Yes ou "Natural Science" do Rush.

Riverside

1.2. Modelos de composição

As composições do rock progressivo muitas vezes se inspiravam nos moldes das "suites" eruditas:

• A forma de uma peça que é subdividida em várias à maneira da música erudita. Um bom exemplo disso é “Close to the Edge” e "And You And I" do Yes no álbum Close to the Edge, que são divididas em quatro partes, ou "2112" do Rush dividida em sete partes,ou até mesmo a instrumental "La villa Strangiato" dividida em onze partes. Outros exemplos mais recentes do metal progressivo são "A Change of Seasons" (do álbum A Change Of Seasons) e "Octavarium" (do álbum Octavarium) do Dream Theater, que é dividida em sete e cinco partes respectivamente e "Through the Looking Glass" (três partes), "The Divine Wings of Tragedy" (sete partes) e "The Odyssey" (sete partes) do Symphony X.

• Composição feita de várias peças, estilo “manta de retalhos”. Bons exemplos são: “Supper’s ready” do Genesis no álbum Foxtrot e o álbum Thick as a Brick do Jethro Tull.

• Harmonias feitas com base em tríades,utilizando progressões não tão usuais, O Progressivo (com algumas exceções, como o grupo de Rock Progressivo Soft Machine) não utilizam acordes com sonoridades dissonantes, como feito na Bossa Nova e no Jazz.

Yes

• Uma peça que permite o desenvolvimento musical em progressões ou variações à maneira de um bolero. "Abbadon's Bolero" do trio Emerson, Lake & Palmer, “King Kong” do álbum Uncle meat de Frank Zappa são bons exemplos.

No DVD documentário "Genesis Songbook" (2001), o baixista Mike Rutherford ressalta que as composições longas e divididas em partes eram por vezes mais fáceis de compor do que faixas curtas de 3 minutos e tão somente eram um reflexo da liberdade de ideias que os músicos dispunham, e também por conter as contribuições de cada membro do grupo.

2. História

O rock progressivo foi tocado pela primeira vez no final dos anos 60, no entanto, se tornou especialmente popular no início da metade dos anos 70. No final dos anos 60, algumas bandas - geralmente da Inglaterra - começaram a experimentar formas de músicas mais longas e complexas[2] pois os jovens músicos daquela geração estavam vivendo a "contra-cultura" que rompia com a cultura pop e hippie, ao passo que as gravadoras concediam liberdade de criação aos artistas contribuindo para um leque ilimitado de possibilidades em estúdio. O termo "rock progressivo" foi cunhado pela imprensa nos anos 70 pela necessidade jornalística de atribuir rótulos ao escrever matérias e resenhas.

2.1. Anos 1960: os precursores

O rock progressivo nasceu de uma variedade de influências musicais do final da década de 1960, particularmente no Reino Unido. Entre outros desenvolvimentos, os Beatles, em sua fase psicodélica e outras bandas de rock psicodélico começaram a combinar o rock and roll tradicional com instrumentos da música clássica e oriental. Os primeiros trabalhos foram do Pink Floyd e Frank Zappa que já mostravam certos elementos do estilo. A composição "Beck's Bolero", de Jeff Beck, Keith Moon, John Paul Jones, Nicky Hopkins Jimmy Page em 1966, é um retrabalho de "Bolero" do compositor francês Maurice Ravel. A cena psicodélica continuou o constante experimentalismo, começando peças bastante longas, apesar de geralmente sem tanto tratamento quanto à estrutura da obra (como por exemplo em "In-A-Gadda-Da-Vida" de Iron Butterfly). A banda inglesa The Moody Blues, foi uma das precursoras do gênero com o álbum Days of Future Passed.

Pioneiros alemães da música eletrônica como Tangerine Dream introduziram o uso de sintetizadores e outros efeitos em suas composições, geralmente em álbuns puramente instrumentais. Em meados da década de 1960 o The Who também lançou álbuns conceituais e opera rocks, apesar de ser baseado principalmente na improvisação do blues, assim como feito por outras bandas contemporâneas tais como Cream e Led Zeppelin.

2.2. Anos 1970: nascimento, auge e queda

Bandas tidas como referência do rock progressivo incluem The Nice e Soft Machine, e apesar das origens terem sido formadas em meados da década de 1960 foi somente em 1969 que a cena estaria se formando concretamente, como evidenciado pela aparição de King Crimson em fevereiro desse mesmo ano. A banda foi seguida rapidamente de outras bandas do Reino Unido incluindo Yes, Pink Floyd, Genesis, Emerson Lake and Palmer e Jethro Tull, e outras bandas menos famosas, como Focus, Family, Traffic, Camel dentre outras. Exceto pelo ELP, tais bandas começaram suas carreiras antes do King Crimson, mas mudaram o curso de sua música consideravelmente após o lançamento do álbum In the Court of the Crimson King.

As bandas que mais contribuíram para o nascimento desse estilo, no qual viria tornar-se famosíssimo foram: Yes, Emerson, Lake & Palmer, Rush, Genesis, Pink Floyd, Jethro Tull e King Crimson.

As músicas que mais refletiram o que foi o Rock Progressivo e que se tornaram mais famosas foram: "Roundabout" do Yes, "Karn Evil 9"(principalmente a 1st impression, pois a 2nd e 3rd impression são solo de piano e bateria.) de Emerson, Lake & Palmer, "2112" do Rush, "The Knife" do Genesis, "Proclamation" do Gentle Giant, "Echoes" do Pink Floyd, "Thick as a Brick Part I & II" do Jethro Tull e "The Court of the Crimson King" do King Crimson.

Gentle Giant

O rock progressivo ganhou seu momento quando os fãs de rock estavam em desilusão com o movimento hippie, movendo-se da música popular sorridente da década de 1960 para temas mais complexos e obscuros, motivando a reflexão. O álbum Trespass do Genesis inclui a canção "The Knife", que retrata um demagogo violento, e "Stagnation", que retrata um sobrevivente de um ataque nuclear. O Van der Graaf Generator também abordava temas existenciais que se relacionavam como o niilismo.

O estilo foi especialmente popular na Europa e em partes da América Latina. Várias bandas fora do Reino Unido que seguiram a trajetória dos britânicos foram o Premiata Forneria Marconi, Area, Banco del Mutuo Soccorso e Le Orme da Itália, além de Ange, Gong e Magma da França. A cena italiana foi posteriormente categorizada como rock sinfônico italiano. A Alemanha também produziu uma cena progressiva significante, geralmente referida como Krautrock. Os Psico, Tantra, Quarteto 1111 e José Cid, cujo disco 10 000 anos depois entre Vénus e Marte é considerado um dos melhores de rock progressivo, protagonizaram o género em Portugal. No Brasil, Os Mutantes combinaram elementos da música brasileira, rock psicodélico e outros sons experimentais para criar um som diferente do que havia sido feito até o presente momento, com letras inspiradas pela fantasia, literatura e história. A banda introduziu o Mellotron no Brasil (embora não existam fontes, nota-se que o instrumento nunca foi ouvido na música brasileira até a gravação do compacto Mande Um Abraço pra Velha em 1972) além do primeiro amplificador Leslie rotatório para órgão Hammond. Outras bandas brasileiras que contribuíram à cena progressiva nacional são O Terço, Som Nosso de Cada Dia, Marco Antônio Araújo, A Barca do Sol, Moto Perpétuo, Módulo 1000, Bacamarte e Som Imaginário. As mais recentes poderemos citar Quaterna Réquiem, Tempus Fugit, Vitral, Lummen, Caravela Scarlate, Arcpélago, Únitri, Cálix e Kaoll.

Um grande elemento de vanguarda e contracultura é associado com o rock progressivo. durante a década de 1970 Chris Cutler do Henry Cow ajudou a formar um grupo de artistas referidos como Rock in Opposition, cuja proposta era essencialmente criar um movimento contra a atual indústria da música. Os membros originais incluíam diversos grupos tais como Henry Cow, Samla Mammas Manna, Univers Zéro, Etron Fou Leloublan, Stormy Six, Art Zoyd, Art Bears e Aqsak Maboul.

Van Der Graaf Generator

Fãs e especialistas possuem maneiras divergentes de categorizar as diversas ramificações do rock progressivo na década de 1970. A Cena Canterbury pode ser considerada um sub-gênero do rock progressivo, apesar de ser muito mais direcionado ao jazz fusion, encontrado em bandas como Traffic. Outras bandas tomaram uma direção mais comercial, incluindo Renaissance, Queen e Electric Light Orchestra, e são algumas vezes categorizadas como rock progressivo. Através do tempo, bandas como Led Zeppelin e Supertramp também incorporaram elementos não usuais em seu som tais como quebras de tempo e longas composições.

A popularidade do gênero atingiu seu auge em meados da década de 1970, quando os artistas regularmente atingiam o topo das paradas na Inglaterra e Estados Unidos. Nessa época começaram então a surgir bandas estadunidenses como Kansas e Styx, que apesar de existirem desde o começo dos anos 70, tornaram-se sucesso comercial após a vinda do rock progressivo às Américas. A banda de Toronto, Rush, também foi muito bem-sucedida fazendo um hard rock com influências progressivas, com uma sequência de álbuns de sucesso desde meados da década de 1970 até atualmente.

Com o advento do punk rock no final da década de 1970 as opiniões da crítica na Inglaterra voltaram-se ao estilo mais simples e agressivo de rock, com as bandas progressivas sendo consideradas pretensiosas e exageradas em demasiado, terminado com o reinado de um dos estilos mais liderantes do rock.[4][5] Tal desenvolvimento é visto frequentemente como parte de uma mudança geral na música popular, assim como o funk e soul foram substituídos pela música disco e o jazz ameno ganhou popularidade sobre o jazz fusion. Apesar disso, algumas bandas estabelecidas ainda possuíam ampla base de fãs, como Rush, Genesis e Yes continuaram regularmente no topo de paradas e realizando grandes turnês. Em torno de 1979, é geralmente considerado que o punk rock evoluiu para o New Wave.

2.3. Anos 1980: o rock neoprogressivo

Os princípios dos anos 1980 assistiram o retorno ao gênero, através de bandas como os Marillion, IQ, Pendragon e Pallas. Os grupos que apareceram nesta altura são por vezes chamados de “neoprogressivos”. Foram amplamente inspirados pelo rock progressivo, mas também incorporaram fortemente elementos do new wave. É caracterizado pela música dinâmica, com grande presença de solos tanto de guitarra quanto de teclado. 

Por esta altura alguns dos grupos leais ao rock progressivo mudaram a sua direção musical, simplificando as suas composições e incluindo mais abertamente elementos eletrônicos. Em 1983 os Genesis alcançam um grande êxito internacional com a música “Mama”, que tinha uma forte ênfase na bateria eletrônica. Esta canção foi gravada em um álbum que também celebrizou o clássico "Home by the Sea", que apresentava uma versão com letra e outra instrumental. Em 1984, o Yes alcança um grande êxito com o álbum 90125 e o sucesso “Owner Of A Lonely Heart”, que continha (para aquela época) efeitos eletrônicos modernos e era acessível a ser tocada em discotecas e danceterias. Em 1983 é criado o Apocalypse, um dos principais grupos brasileiros de progressivo. O grupo lançaria 10 álbuns, incluindo 4 álbuns na Europa, e gravaria o primeiro álbum duplo ao vivo de rock progressivo brasileiro nos EUA.

2.4. Anos 1990: third wave e metal progressivo

Nos anos 1990 outras bandas começaram a reviver o estilo com a chamada third wave, composta por bandas como os suecos The Flower Kings, os ingleses Porcupine Tree, os escandinavos e os americanos Spock's Beard e Echolyn, que incorporaram o rock progressivo no seu estilo único e eclético. apesar de não soar igual, tais bandas estão muito relacionadas com os artistas da década de 1970, considerados por alguns inclusive uma fase retrô do estilo.

Enquanto isso (da metade da década de 1980 em diante para ser mais exato), estava havendo o surgimento do metal progressivo, um estilo comercialmente bem-sucedido que uniu vários elementos do rock progressivo ao heavy metal. Isso trouxe para o estilo uma maior técnica, fruto de uma aprendizagem acadêmica, capacitando-as a explorar músicas longas e álbuns conceituais. Bandas do estilo incluem Dream Theater, Fates Warning, Tool, Symphony X, Queensrÿche (Estados Unidos), Ayreon (Países Baixos), Opeth, Pain of Salvation, Ark, A.C.T (Suécia), Spiral Architect, Circus Maximus, Conception(Noruega), e no Brasil, o Mindflow. Bandas da década de 1970 frequentemente citadas como referência para o metal progressivo coincidem com as mais bem-sucedidas, tais como Yes, Rush, Pink Floyd e Genesis.

God Is An Astronaut

No trabalho de grupos contemporâneos como os Radiohead e bandas post rock como Poets of the Fall, Sigur Rós e Godspeed You! Black Emperor, estão presentes alguns dos elementos experimentais do rock progressivo. Entre os músicos mais experimentalistas e de vanguarda, o compositor japonês Takashi Yoshimatsu cita o rock progressivo como sendo a sua primeira influência.

2.5. Anos 2000 e 2010: festivais

Na década de 2000 e na última década e meia surgiram, no mundo inteiro, vários festivais dedicados ao género. Como exemplo cite-se o prestigiado festival português Gouveia art rock que se realiza desde 2003 e já é considerado um evento de referência em todo o mundo.

Pink Floyd - Live in Venice 1989

Genesis - Live Shepperton Studios 1973

Yes - Keys to Ascension Live in San Luis 1996

Riverside - Reality Dream Concert 2008

Van Der Graaf Generator - Pilgrims

Arena - The Butterfly Man Live 2000

Porcupine Tree – Trains Live

RPWL - The RPWL Experience

IQ – A show of Resistrance 2020

Arena - Live in Proxima Club Warsaw Poland 2018

Canterbury Scene

Cena de Canterbury (ou Som de Canterbury) é um termo utilizado para descrever um grupo de bandas e músicos que praticam um subgênero do Rock que unia Rock Progressivo, Música Psicodélica e Jazz. A nomenclatura se deve ao fato de que grande parte dos músicos que deram início a esse estilo musical (durante o final da década de 1960 e começo da década de 1970) vinham da região de Canterbury. No entanto, a classificação também é usada para se referir à grupos de outras regiões da Inglaterra, e até mesmos de outros países.

Steve Hillage

1. Definição

A cena de Canterbury é amplamente definida como sendo um grupo de bandas com constante compartilhamento de integrantes entre si. Não possuíam muitas similaridades em termos de composição musical, mas tinham como elementos em comum em seus trabalhos elementos de música psicodélica, improvisações (derivado do jazz, estilo que serviu como base na carreira de muitos dos músicos) e a presença de humor nonsense em letras ou títulos de composições.

Há variações dentro da cena, percebidas em diferenças entre o pop/rock do Soft Machine em seus primeiros anos de atividade e do Caravan, as composições de vanguarda do National Health e o jazz improvisado do In Cahoots. Didier Malherbe (do Gong) definiu a cena como tendo "certas progressões de acordes, em particular no uso de acordes em semi-tom, certas combinações harmónicas e uma grande noção de estética, e um modo de improviso que é bem diferente do que é feito no jazz."

Muito se debateu sobre o uso do termo, ou mesmo da existência dele. Dave Stewart, fundador do Egg argumenta que essa nomenclatura se aplica a muitas pessoas, incluindo ele, que não têm nada a ver com Canterbury, o local. O ex-baixista do Soft Machine, Hugh Hopper, que mora em Whitstable, próximo à Canterbury, disse: "Eu penso nisso como sendo um rótulo artificial, uma coisa de jornalista… eu não me importo, mas pessoas como Robert Wyatt, ele de fato odeia a idéia, porque ele nasceu em outro lugar e por acaso estudou lá. Quando começamos com o Wilde Flowers, nós nem sequer havíamos trabalhado em Canterbury. Foi só quando Robert e Daevid foram para Londres para formarem o Soft Machine que tudo aconteceu. Eles nem eram uma banda de Canterbury [...] se isso ajuda as pessoas compreenderem ou ouvirem a música, então está tudo bem."

2. Origens

Os músicos da cena não possuiam muitas similaridades em composição musical, mas compartilhavam elementos da música psicodélica e grande improvisação (derivado do jazz) em suas composições. Foi iniciada no Wilde Flowers, banda formada em 1964 e que foi o início de músicos do Soft Machine e Caravan, bandas que por sua vez também foram celeiro de músicos para outras muitas bandas do gênero.

O início do som Canterbury pode ser definido em 1960, quando o australiano Daevid Allen se hospedou na casa dos pais de Robert Wyatt em Lydden, próximo à Canterbury. Allen comprou com Wyatt uma extensa coleção de gravações de jazz, e o baterista de jazz George Niedorf ensinou sobre o instrumento à Wyatt posteriormente. Em 1963 Wyat, Allen e Hugh Hopper formaram o Daevid Allen Trio (em Londres), que se transformou em Wilde Flowers quando Allen deixou a banda para morar na França.

A cena também é conhecida por um conjunto de músicos que constantemente alternavam em diferentes bandas do gênero. Richard Sinclair, por exemplo, esteve em bandas como Wilde Flowers, Camel, Caravan e Hatfield and the North. Robert Wyatt foi membro do e Wilde Flowers, Soft Machine, Matching Mole e também trabalhou como artista solo. Outra base da cena foi a banda Delivery, cujos membros inseriram-se na cena Canterbury nos anos 1970, fundando bandas como Matching Mole e Hatfield and the North.

3. Bandas e músicos

   Kevin Ayers

   Camel

   Caravan

   Comus

   Delivery

   Egg

   Gong

   Daevid Allen

   Steve Hillage

   Hatfield and the North

   Henry Cow

   Lindsay Cooper

   Chris Cutler

   Fred Frith

   John Greaves

   Tim Hodgkinson

   Matching Mole

   National Health

   Quiet Sun

   Short Wave

   Soft Machine

   Hugh Hopper

   Wilde Flowers

   Robert Wyatt

4. Gravadoras

   Burning Shed Records

   Cuneiform Records

   Recommended Records

   Virgin Records

   Caroline Records

   Harvest Records

   Vertigo Records

   Voiceprint Records

Caravan - In the Land of Grey and Pink

Robert Wyatt - Sea Song

Hatfield and The North - Mumps Live The Rotters' Club, 1975

Gong - Radio Gnome Invisible Vol. 3 - You

Khan - Space Shanty

National Health - Of Queues And Cures

The Soft Machine - Third

Supersister - To The Highest Bidder

Egg - The Polite Force

Moving Gelatine Plates - The World Of Genius Hans